Foto: la copertina del disco
Si chiama Quiet Lights ed è il nuovo disco del batterista svizzero Florian Arbenz. Suonano con lui Bill Frisell e Greg Osby. Un progetto che si può ascoltare sulla pagina bandcamp del batterista, al link florianarbenz.bandcamp.com. Lo abbiamo incontrato per farci raccontare come è nato questo suo disco di notevole bellezza.
Jazz Convention: Florian, tu sei un batterista, compositore e architetto dei suoni molto curioso, che sperimenta e fa ricerca. Le tue radici musicali dove sono? Quanto c’è di americano e europeo nella tua musica e cosa significa per te improvvisare e avanguardia?
Florian Arbenz: Wow, quante domande tutte insieme in una sola… E grazie, mi fa davvero piacere che tu mi veda in questo modo! Sono un amante del jazz fin dalla mia prima infanzia. Ricordo di aver ascoltato la mia prima registrazione jazz all’età di quattro anni – la sessione Esquire, con Louis Armstrong, Art Tatum, Coleman Hawkins, Lionel Hampton, Sid Catlett e via dicendo -, e ne rimasi folgorato! Da bambino, ho ascoltato tutta la storia del jazz, da Benny Goodman a Django Reinhardt, da Bill Evans a Miles e Coltrane. D’altra parte, i miei genitori erano entrambi musicisti classici e sono stato esposto soprattutto alla musica romantica e impressionista – Brahms, Schumann, Ravel, Debussy -, in dalla nascita. Da adolescente, mi sono appassionato molto alla musica classica contemporanea, soprattutto grazie al mio insegnante di percussioni, che mi ha fatto conoscere personalmente leggende come György Kurtag o Pierre Boulez. Da studente, invece, ho trascorso sei mesi all’Avana, dove ho studiato principalmente musica afro-cubana come la rumba e il bata. Per molti anni ci sono tornato regolarmente per continuare i miei studi. Tornando alla tua domanda, queste sono le mie principali radici musicali, anche se mi considero principalmente un batterista jazz. Direi che le mie influenze sono per il 50% europee, per il 40% americane e per il 10% cubane. L’improvvisazione è tutto per me! Mi sono sempre sentito al meglio come artista quando potevo improvvisare e comunicare con altri musicisti! Però, considerando le mie radici, mi interessa anche creare specifici “spazi acustici” o “paesaggi sonori” come cornice per l’improvvisazione. Queste cornici possono variare da brano a brano. Per quanto riguarda l’avanguardia, rispetto moltissimo quei musicisti che cercano di trovare nuovi modi di esprimersi! In generale, mi interessa la qualità della musica. Mi interessa scoprire come la musica possa davvero raccontare una storia. Quindi, mi interessa qualsiasi artista che sia in grado di far parlare la propria musica.
JC: Tu sei uno dei maggiori esponenti della scena jazz svizzera che si è ritagliato un ruolo artistico importante in Europa. A che livelli è la scena jazz nel tuo paese e che tipo di iterazione ha con le altre realtà jazzistiche europee?
FA: Per me è una domanda molto difficile, dato che non sono proprio un tipo da «scena». Per i miei progetti e le mie visioni musicali cerco sempre di trovare i partner più stimolanti e interessanti, indipendentemente da dove vivano. Ecco perché nei miei gruppi ho quasi sempre formazioni molto internazionali. Ma da quello che vedo e sento, la scena jazzistica svizzera è forte e soprattutto molto variegata, il che mi sembra fantastico! Si trovano musicisti più jazzistici come Marc Perrenoud, musicisti concettuali come Nik Bärtsch, musicisti più sperimentali come Andreas Schärer e altri ancora. È un dato di fatto che la Svizzera sia davvero molto piccola e anche piuttosto divisa culturalmente a causa delle diverse lingue, quindi come musicista professionista devi lasciare il Paese continuamente. Direi che i musicisti svizzeri sono ben collegati in Europa.
JC: Il tuo rapporto artistico con Greg Osby arriva da lontano, se non sbaglio è cominciato con il trio Vein. Giusto?
FA: Sì, Greg è davvero una figura paterna per me dal punto di vista musicale! Abbiamo iniziato a collaborare nel 1998! Era ben prima della nascita dei VEIN, che abbiamo fondato nel 2006). Sono ancora molto grati a Greg per aver accettato di andare in tour all’epoca con me e mio fratello Michael. Noi eravamo degli sconosciuti e Greg aveva già un contratto con la Blue Note. Ma Greg è sempre stato un musicista molto aperto e curioso e, dopo quel primo tour, in qualche modo ci siamo ritrovati a lavorare insieme e abbiamo fatto tournée quasi ogni anno in contesti molto diversi. Inutile dire che gli devo moltissimo dal punto di vista artistico.
JC: Dopo la serie di dischi sperimentali “Conversation” sei approdato a questo tuo nuovo progetto intitolato “Quiet Lights”. Il disco è in trio e vi suonano due mostri sacri del jazz contemporaneo Bill Frisell e Greg Osby. Come sei riuscito a metterli insieme?
FA: Penso che questa sia una cosa davvero fantastica nel mondo del jazz: anche i nomi più importanti sono alla mano e curiosi di provare musica nuova ed entusiasmante. Nella musica classica sarebbe assolutamente impossibile entrare in contatto con musicisti del calibro di Bill o Greg. La scena jazz contemporanea è, in fin dei conti, piuttosto ristretta. Greg e Bill si conoscono da decenni e io conosco Greg da molto tempo. L’anno scorso ho registrato un disco con Ron Carter e anche Ron è molto legato a Bill. Quindi alla fine il tutto ha trovato la sua collocazione. Ma ovviamente mi sento molto fortunato e privilegiato che questa sessione abbia funzionato.
JC: Bill Frisell e Greg Osby hanno fatto e fanno due generi diversi di jazz. Quanto ha giovato questa loro diversità alla tua musica?
FA: Se ascolti la musica di Bill e Greg, probabilmente hai ragione, ma ci sono alcuni aspetti che, a mio avviso, legano profondamente Bill e Greg: nutrono un grande rispetto reciproco, sono entrambi maestri assoluti dell’improvvisazione spontanea, hanno entrambi un modo molto definito ed estremamente personale di suonare il proprio strumento e sono entrambi maestri della riduzione. Sono molto curiosi e sempre pronti a uscire dalla loro zona di comfort per creare qualcosa. Il loro modo di suonare è assolutamente privo di ego, semplicemente alla ricerca della migliore soluzione possibile per la musica. Infine, ma non meno importante, entrambi hanno un legame profondo con la storia del jazz ed entrambi hanno un legame personale molto profondo con Jim Hall. Quando ho scritto la musica per questa registrazione, ho tenuto a mente tutto questo. Quindi, il modo personale, e diverso, di suonare di Greg e Bill ha reso questa musica più colorata senza perdere un profondo legame musicale.
JC: Ascoltando Quiet Lights si ha la sensazione che tu abbia creato una base ritmica su cui i due improvvisano e riescono a comunicare tra di loro facilmente.
FA: Il mio obiettivo principale era quello di creare spazi acustici forti e ben definiti che ispirassero noi musicisti a creare qualcosa di inedito sul momento. Ho cercato di completare queste idee con melodie incisive. Era quindi già chiaro prima della sessione che avremmo dovuto comunicare, entrare in sintonia e trovare modi inediti di suonare questa musica. Ma forse ciò che sorprende è quanto questi brani suonino composti. Bill e Greg sono entrambi maestri delle forme, maestri nell’esecuzione delle melodie e maestri dell’interazione; hanno trovato il modo di far suonare questi brani come se fossero stati arrangiati, ma in realtà la maggior parte di essi erano prime registrazioni e per lo più improvvisati. Se suonassimo di nuovo questa musica, sono abbastanza sicuro che suonerebbe in modo diverso.
JC: I brani presenti nel disco sono sette. Li ha costruiti in funzione di Osby e Frisell o sono soltanto delle idee ritmiche che poi si sviluppano a seconda di chi le interpreta?
FA: Alcuni di questi brani li avevo già composti in precedenza appositamente per Greg, mentre altri li ho scritti appositamente per Bill in collaborazione con Greg. Ho cercato di individuare in ogni brano un concetto specifico che si adattasse bene a queste straordinarie personalità musicali. Ad esempio, Jamming in the Children’s Corner è chiaramente legato al jazz. Chant è più simile a un inno, Quiet Lights è quasi un brano da cantautore, mentre Homenaje e Rhumba riprendono l’idea della rumba cubana, una musica eseguita da coro, percussioni e cantanti. Mi è piaciuta molto l’idea di pensare a Greg come a un cantante, a Bill come a un coro e a me stesso come a un percussionista. Dà alla musica un colore molto speciale. Inoltre, più la musica è semplice, più è difficile infilarci un significato! Quindi non oserei suonare questa musica con nessuno.
JC: In Lueget vo Berg und Ta, una ripresa di un brano folk svizzero, sembra che Frisell sia molto a suo agio con te che gli costruisci la base ritmica e storica.
FA: Questa canzone è una vecchia canzone popolare svizzera molto famosa. È buffo, ma si adatta perfettamente allo stile più folk di Bil. Dimostra che la cultura musicale tradizionale della Svizzera e quella dell’America rurale probabilmente non sono poi così distanti e che possiamo facilmente entrare in sintonia su questo piano. Abbiamo registrato una sola versione di questa canzone, è stata una registrazione facile. Ma questo dimostra anche che il modo in cui Bill suona queste canzoni semplici è eccezionale! Quindi, ancora una volta: servono musicisti davvero eccezionali per far suonare così bene questa musica semplice!
JC: Homenaje, il pezzo d’apertura, è un saggio vero e proprio di pura improvvisazione. Tu costruisci il tappeto ritmico e poi subentra prima Osby e dopo Frisell.
FA: Sì, ho scritto questo brano come una rumba lenta, chiamata Yambu. Lo Yambu è un genere musicale afro-cubano, originariamente eseguito da cantante, coro e percussioni. Le sue canzoni raccontano sempre una storia forte, quindi è un po’ simile al blues, e ascoltare Greg e Bill in questa registrazione dimostra che sono sicuramente dei grandi narratori attraverso i loro strumenti! Ho anche usato dei suoni molto asciutti alla batteria e aggiunto alcuni strumenti a percussione-basso fatti su misura, quindi penso che questo panorama sonoro leggermente insolito abbia contribuito a sviluppare questa musica specifica.
JC: Ci puoi raccontare brevemente gli altri pezzi, di come si sono sviluppati durante l’esecuzione? Per esempio le atmosfere spirituali e orientali di Chant?
FA: Ho cercato di creare un paesaggio sonoro diverso in ogni traccia e ho cercato anche di progettare questi paesaggi con una visione ben definita. Ci ho messo un sacco di tempo, ma è stato anche molto divertente! In «Chant», ad esempio, ho usato uno strumento a corde di basso fatto su misura che suonava quasi come un gong. L’ho combinato con dei piatti accordati molto in alto, chiamati crotali, e ho aggiunto alcuni piatti con effetti. Questa combinazione ha già dato al brano un’atmosfera ben definita. Una volta creata questa atmosfera, è stato molto naturale quando Bill e Greg si sono uniti. Abbiamo registrato solo una traccia e il gioco era fatto. Questa è una cosa incredibile di Bill e Greg: una volta che sono ispirati ed entusiasti di esplorare un territorio musicale, trovano immediatamente la loro voce e sono in grado di creare qualcosa di significativo e bello sul momento. È stato davvero incredibile per me assistere a questo in studio.
JC: Quiet Lights termina con Rhumba. È un pezzo incredibile che esalta ancor più le atmosfere camerali e a luci basse che hanno caratterizzato l’intero disco.
FA: Il brano Rhumba è un altro esempio di rumba afro-cubana, questa volta con un tempo leggermente più veloce, chiamato “Guaguancó”. In qualche modo, mentre suonavamo il brano, ci siamo ritrovati in questo groove ipnotico e gli effetti di chitarra di Bill hanno aggiunto un tocco magico. È stato un vero momento di “ricerca dell’ignoto” e mi rende molto felice aver fatto parte di questo processo spontaneo in studio.
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